Sugerencias Teatrales para Esta Semana

Amigos, les adjuntos mis sugerencias de esta semana.

VIERNES 22 HS

HOY Roberto Piazza hará su último show del año!!!!

MI MODA MI MÚSICA

ILIANA Y MARINA CALABRÓ SERÁN LAS MADRINAS Y JOSE MARIA MUSCARI EL PADRINO!

Habrá mas de 30 modelos vestidas de alta costura en la recepción del teatro que recibirán al público.

Junto a la cantante Maria Jose Demare harán un “homenaje” a Pappo.
Cantarán uno de los tantos temas emblemáticos que compuso “El Carpo”: Desconfío

Mi Moda Mi Música , viernes 30 de noviembre
a las 22 ; en el Teatro Molino Azul, Rodriguez Peña 411. Esq Corrientes.

Estarán: Natacha Jaitt, Adriana Brodsky, Beatriz Salomón, Lisa (ex Bandana), Nacho Herrero y muuchoos mas!!

VIERNES 23.30 HS

Absentha,
de Alejandro Acobino, por el grupo La Fronda, dirigido por Ana Sánchez. Teatro del Abasto, Humahuaca 3549. 4865-0014. $ 60/$ 40. Taller de poesía masculino en oscuro centro cultural.Tres tipos mediocres que apenas se soportan. Un coordinador que, secreta pero profundamente, los desprecia. Una consigna hará que todo estalle. Hasta el 30 de noviembre.

SABADOS 22.30 HS

Grupo de Teatro RACIMAR
presenta

“PROHIBIDO SUICIDARSE EN PRIMAVERA”
de
Alejandro Casona
El Doctor Roda, ayudado por Hans y Alicia, sus asistentes, dirige una clínica llamada El Hogar del Suicida,
que alberga a personajes apesadumbrados con necesidad de terminar con sus vidas y sus sufrimientos.
Sin embargo, llegan por error al lugar dos periodistas. Fernando y Chole van contagiando su alegría de vivir a los pacientes
e incluso alteran la actitud del personal y los pacientes.

Sábados 22.30 20hs.
Teatro Auditorio Losada – Av. Corrientes 1551
Reservas 4371-9098 – E-mail: auditoriolosada@hotmail.com
Entradas $60

Más info: http://www.facebook.com/ProhibidoSuicidarseEnPrimavera

Elenco: Cintia Arredes: Chole- Max Acuña: Fernando-Maximiliano Cesto: Juan- Gerardo De Stefano: El Padre de la otra Alicia
Marcelo Ferreyra: Doctor Roda-Melina Longo: Alicia-Raúl Mirat: Hans
Matías Montaldo: El Amante Imaginario- Fernanda Pereyra: La Dama Triste- Mirta Salimbeni: Cora Yako
Autor: Alejandro Casona -Diseño y Realización Escenográfica: EXCENOGRAFIAS
Musicalización y Efectos: Gastón Abulafia- Operación de Sonido: Kevin Canis
Dibujante: Gabriel Keppl – Prensa: Laura Castillo
Asistente de Dirección: Osvaldo Canis
Puesta en Escena y Dirección: Nacho Steinberg

DOMINGOS 19 HS

LA VIDA PRESA

El mundo estático y cerrado de una cárcel es la excusa para el encuentro de tres hombres: un mago con sueños de triunfar en la capital, un falso payaso con ínfulas de capo de la mafia y un frustrado empleado bancario con ambiciones de poeta y semblante de seminarista.

La actriz y dramaturga Laura Nevole, se inspiró en las películas “Bajo el peso de la ley”, de Jim Jarmush y en las anécdotas y el arte del mago René Lavand, para crear esta comedia con toques de realismo mágico.

Última función: domingo 9 de diciembre

Duración de la obra: 70 minutos

El Camarín de las Musas: Mario Bravo 960 (CABA)

Reservas: 4862-0655

http://www.elcamarindelasmusas.com.ar

Entrada: $50. Estudiantes y jubilados (con credencial): $35

Sinopsis

La cárcel contrasta, en su sordidez, con la calidez de tres seres, obligados por diversas circunstancias a estar allí, reunidos: un remisero con ínfulas de poderoso del hampa; su primo: un mago recién llegado de Bragado, con sueños de triunfar en la capital, y un empleado bancario con ambiciones de poeta y semblante de seminarista. En el fondo del pozo, cuando ya no haya margen de duda, los tres buscarán, a través de la magia, una salida que los saque del encierro. Una salida de esa cárcel, pero también de esa otra prisión, que produce la vida cuando apresa, por la sensación de tener grandes sueños y no poder concretarlos. La magia, el arte de creer, para no enterrar la ilusión. (Inspirada en la película Bajo el peso de la ley, de Jim Jarmusch y en el arte de René Lavand).

Ficha Artístico técnica

Elenco:

Emiliano Díaz: Aldo Mercante

Federico Falasco: Mauro Grandi

Emiliano Masella: Omar Mario Ramo Gracia

Diseño y realización de escenografía: Daniela Sorgoni Quintana

Diseño de luces: Claudio Del Bianco

Diseño de vestuario: Paola Delgado

Fotografía: Claudio Fernández

Música y efectos sonoros: Federico Falasco y Sergio Escobar

Diseño gráfico: Sergio Escobar

Producción: Rosario Alfaro y Laura Nevole

Prensa: Simkin y Franco

Andamiaje dramatúrgico: Catalina Larralde

Asistente de dirección: Sergio Escobar

Dramaturgia y dirección: Laura Nevole

Sobre la elección y la gestación del material

La puerta está abierta o está cerrada, si está casi cerrada, está abierta.

“De toda la libertad que brinda una hoja en blanco, elijo, hipotéticamente, que la obra suceda en el mundo estático y cerrado de una prisión. Como dice Mauricio Kartún, el azar nos enfrenta con el material generador y debemos aceptar este encuentro enigmático. Se trata de materiales que aparecen accidentalmente y movilizan intensidades que tienen vigencia en la propia vida. Dos imágenes generadoras, en este caso, dos películas, motivan esta elección entre rejas: “Bajo de el peso de la ley”, de Jim Jarmusch y “Los desconocidos de siempre”, de Mario Monicelli. Imágenes, que al pasar por la propia máquina, se convierten en puntos de partida, en detonantes de recuerdos, situaciones, climas, emociones y personajes de la propia existencia, generando resonancias tan genuinas como imprevistas. Luego apareció el mundo del mago René Lavand -sus anécdotas, su arte.

Al comenzar con la escritura del texto, tenía sólo una certeza: no se trataría de una obra “tumbera”. El calabozo sería el territorio imaginario donde transcurriría la acción, como excusa para el encuentro de tres personajes: un remisero con ínfulas de capo de la mafia, un mago con sueños de triunfar con su arte en la capital, y un empleado bancario con ambiciones de poeta y semblante de seminarista. La cárcel contrastaría en su sordidez, con la calidez de estos tres seres, obligados por diversas circunstancias a estar allí, forzosamente, reunidos. Sabía quiénes serían los actores que encarnarían este cuento. Pero aún no sabía mucho del cuento en sí. Una pregunta me inquietaba: ¿cómo lograr el desarrollo de la acción en el universo detenido de una cárcel? Sabía que el encierro conviviría con la magia y con el humor, me atraía la potencia de esos contrarios. El texto fue encontrando su forma en la improvisación con los actores, explorando la teatralidad de sus cuerpos, de sus ritmos, de sus imaginarios; y de las palabras, de las intensidades, de los silencios conjugados en ese espacio de encierro. Esa dialéctica del trabajo creador, me obligó, como procedimiento, a reescribir incesantemente. No saber, y esperar, en el desconcierto, para ir descubriendo la obra a medida que se van descubriendo las posibilidades expresivas del actor, su poética. Para que el texto escrito no preceda a las situaciones sino que las contenga, y así vaya germinando su forma más genuina. La cárcel se iba convirtiendo en la propia cárcel: la de un presente en pausa y un futuro incierto…”

Laura Nevole -autora y directora-

Concepción estética de la puesta en escena y el procedimiento de trabajo

A pesar de haber arribado a un texto escrito, no se trata de “ponerlo en escena” o de “re-presentarlo”. Se trata de violentar esa textualidad para que emerjan nuevos sentidos. Tomar siempre la obra como obra abierta, como procedimiento de trabajo. Ese es el desafío desde la dirección. Dejarse invadir por lo que no sabemos del universo creado, soportando el valor creativo de la incertidumbre. La directora le pide a la autora que reescriba, ahora, en escena. La importancia del tiempo y de los ensayos para ver aparecer las formas que no existen previamente. Para darle espesor poético a la creación. En ese sentido, la improvisación es el método. Dejar imaginar a los actores la singularidad de esos seres y del propio encierro, para luego conducir, potenciar, depurar. Y luego, repetir la diferencia. Las primeras improvisaciones se orientaron a la producción del universo de la cárcel. Una cárcel real pero también imaginaria, la propia cárcel. Crear las condiciones para que el actor dispare su imaginario. Trabajamos con pinturas de Munch, de F. Bacon y de Goya. Con el universo musical de algunas bandas de cumbia para las que estar preso es parte ineludible de su cotidianeidad y por lo tanto de su poética. Con un universo variadísimo de películas de Mario Monicelli, de Jim Jarmush, de Robert Bresson y de Alex de la Iglesia. Con el universo literario de Dostoievsky y de Kafka. Con pensamientos de Freud y Deleuze. Con situaciones que iban surgiendo en el trabajo de la escritura y que se proponían como disparadores. Y repetir…

La dialéctica autor–director-actor se multiplica. Llegan vestuarista, escenógrafa, iluminador. Se trata de explorar ese “entre” y potenciar el diálogo. Como dice Jean Lacroix: “dialogar es exponerse al trastorno del propio pensamiento y quizás a la pérdida del mismo”. El diálogo como procedimiento, para la concepción estética de la puesta. En ese sentido, el diálogo con la escenógrafa acuerda que el espacio en el cual transcurre la acción intentará transmitir la sensación del tiempo detenido y la rigidez de lugares como la cárcel. De un espacio que se agrava en su encierro y de un tiempo que pasa pero que no pasa, y en ese sentido desespera porque se empieza a escuchar la soledad sonora del mundo interior. El vestuario será colorido, acorde a los tonos de los personajes, contrastando con el tono gris y frío del encierro y será el mismo a lo largo de toda la obra, el mismo pero desmejorado, como sus portadores. Y en ese contraste, en el seno de un lugar donde es siempre de noche, la luz jugará un papel fundamental para lograr el clima sofocante de la tumba, pero también la luz de la magia, de esa salida en la que se embarcarán para no enterrar sus sueños. Finalmente, retomando a Jonathan Pollock (“Qué es el humor”, 2003), el momento más sombrío es uno de los terrenos más favorables para la eclosión del humor. No como sinónimo de cómico. El humor tiene una jerarquía ética y una especificidad estética. El humor como parte integrante, ineludible, de este universo de muerte, frente a las exigencias de una realidad poco propicia para el placer.

El humor depende de la actitud contrastante de los personajes frente a la ironía de esta situación de encierro. Lo cómico reside en la potencia de estos contrarios, lo cual legitima su coexistencia. Estas actitudes, patéticas y paradójicas, proyectan en el espectador cierta sensación de complicidad aunque los personajes no lo experimentan. Ellos padecen. Ahí está el secreto.

Pero no sólo padecen la pena impuesta por la sociedad por el “delito” cometido, sino esa otra pena, la pena de tener grandes sueños y no poder concretarlos. La obra, como dirían en el barrio, no es “tumbera”, no se trata de un ensayo sociológico sobre la cárcel hoy, tampoco intenta ser una denuncia social. Como dice Rafael Spregelburd: “No escribimos teatro para opinar sobre el mundo, sino para forzarlo a ser más intenso, más extraordinario de lo que es. La contemplación de ese extraordinario es generadora de felicidad.” (“El robo del siglo”, en http://www.tmg-online.org). Tres personajes que buscan, a través del arte, una salida que los saque del propio encierro. Pero la salida no es desaparecer, porque la desaparición sin aparición no es magia. La gracia está en reaparecer, en reconstituirse, transformados, para asumir los riesgos de la libertad…o morir en el intento.

DOMINGO 21.30 HS

Domingo 2 de diciembre, a las 21.30 hs. / En el Camarín de las Musas

Pedazos

Un recital de música, teatro y poesía

“ En las letras resaltan ojos, dedos que se mueven solos, bocas que hablan sin sus cabezas. Hay dedos que suenan en el vivo –los chasquidos-. Un corazón sin forma de corazón. El viento, el pasto y el cielo como escenarios de esas bocas, dedos, pelos, cuerpos que se desprenden de su parte total. Lo cotidiano del ténder y el surrealismo de los dedos colgados en él. Las sábanas, el sueño que se queja, la noche infinita. Las palabras que hartan. La interferencia del lenguaje. Algo bueno puede nacer desde tan abajo – el amor… una planta… una casa…-. Disfrutar de lo pequeño. Un abrazo. Los trozos que se cuelan (que se meten), los trozos que dejan secuelas. Las partes del cuerpo, las emociones, los pensamientos que se liberan y cometen actos que no controlamos y vuelven y nos transforman. Creer. Imaginar. Querer. Y llorar por eso y reír también por lo mismo. La maldad en un libro, en un dicho, en la naturaleza, en todos lados. El engaño y el amor. El origen de la obra”. Irene Goldszer

El domingo 2 de diciembre a las 21.30 hs., la actriz, cantante y poeta Irene Goldszer realizará la ULTIMA FUNCION de “Pedazos”, una propuesta multidisciplinaria dentro de la cual todos los lenguajes artísticos que la integran (la música, la poesía, las artes plásticas y el teatro) se entremezclan entre sí construyendo un nuevo modo de expresión. En El Camarín de las Musas, Mario Bravo 960, Tels. / Informes: 4862- 0655. Entrada $40.- // Reservas: http://www.elcamarindelasmusas.com // Trailer de Recital Pedazos: http://www.youtube.com/watch?v=_kMMMK_yQo4.

Irene Goldszer es alguien que busca. Su recital no descansa en la formalidad de un género ni de un estilo, intenta captar lo que se desprende de cada arte, lo que puede ser posible de ser intervenido y fusionado. La canción se convierte en poesía, la poesía en un viaje plástico y el viaje en un bálsamo con los contornos del teatro. Pedazos es una actriz que interpreta una voz, es una voz que cuenta lo que le sucede, aquello que la habita, es una guitarra que suspira, que sonríe, que llora. Pedazos es un susurro musical que nos quiere hablar de la vida, de la sensación, del amor, del desamor, de la vigilia. Son pedazos del ser que se abren, que se muestran, que se cruzan.

“¿La música siempre te hace bailar? Pedazos es un recital y cuando digo recital me refiero a que canto canciones que tienen un principio y un fin. Pero también quiero decir que recito, porque digo tal y cual cosa referida a un tema, que son los pedazos que me habitan. Las canciones y los recitados se entremezclan y forman una unidad que hacen del recital, un hecho teatral.” Irene Goldszer.

El recital se desarrolla dentro de un espacio creado por el artista plástico Paco Fernández Onnainty y con invitados permanentes también músicos y actores: Leandro Stivelman (Banda de Alejandro Balbis); Marina Fantini (Estado de Ira), Federico Barroso Lelouche (Grupo Humus cine) y Fernando Tur ((Grupo Krapp- Cocktail Tour Musique).

Ficha Técnica: Voz, Guitarra y Cuatro Venezolano: Irene Goldszer; Invitados: Leandro Stivelman en Voz y Melódica, Marina Fantini en Charango, Federico Barroso Lelouche en Voz y Fernando Tur en guitarra; Diseño del Espacio: Paco Fernández Onnainty; Trailer: Pablo Lugones; Fotografía: Riki Lozada, Chino Suárez y José María Gómez ; Asesoramiento de Vestuario: Marta Albertinazzi; Composición, Dirección e Interpretación: Irene Goldszer

“Ella y él están en un parque bajo el sol. Él la mira nervioso, ella parece controlar la situación. Hace un tiempo, una noche ella se arriesgó y él le dijo que no. Pasó el tiempo, ahora ella está tranquila con su amor y él está loco por ella. Ella y él se ríen bajo el sol. Él tirado en el pasto toca un teclado en el aire; y ella dice que elige tener ojos en la nuca.

Lo más lindo es que no se besan”. “Ella y Él”, Irene Goldszer.

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